Killing Me Softly: Works from the Miettinen Collection, Berlin

Feb 6

Feb 6 Killing Me Softly: Works from the Miettinen Collection, Berlin

Hans-Jörg Mayer, “Vogue“ 2005, Öl auf Leinwand, 250 cm x 190 cm, Courtesy Miettinen Collection

20. Januar - 24. März 2018

 Eröffnung: Samstag, 20. Januar 2018, 18 - 21 Uhr 

KILLING ME SOFTLY  WORKS FROM THE MIETTINEN COLLECTION

Peppi Bottrop, André Butzer, Katharina Grosse, Peter Halley, Secundino Hernández, Sergej Jensen, Ola Kolehmainen, Matti Kujasalo, Antti Laitinen, Niko Luoma, Hans-Jörg Mayer, Bjarne Melgaard, Jussi Niva, Albert Oehlen, Constantin Schroeder, Jana Schröder, Brigitte Waldach, Grace Weaver, Ulrich Wulff 

I heard he paints fine pieces, I heard he had a style, and so I came to see his pictures and watch them for a while. And there he was this artist, a stranger to my eyes – Strumming my pain with his fingers, painting my life with his brush, killing me softly with colors, Killing me softly with colors, telling my whole life, with his brush, killing me softly with his piece.

Der von Diederichsen postulierten Verwandlung der Künstler in personenförmige Kunstwerke, die in den Werken von Jensen, Melgaard, Mayer oder Butzer in radikal subjektive künstlerische Positionen mündet, führt auf Seiten des Sammlers zu einem gleichartigen Prozess der Subjektivierung. Sammeln folgt innerhalb eines radikal subjektiven Paradigmas nicht länger Genres oder thematischen Kategorien, innerhalb derer die SammlerIn im Bereich Video, Eco-Art oder Post-Internet unterwegs ist.

Das Fehlen Orientierung gebender Karten und Topographien führte in den vergangenen Jahren zu einer zunehmenden Prominenz und Sichtbarkeit der Person des Sammlers selbst. Selbst das Wesen bereits vorhandener, noch nach den Konstruktionszeichnungen früheren Sammelns entworfener Sammlungen erschließt sich heute nur noch dann, wenn die subjektiven Dispositionen des Sammelns nachgereicht werden. Problematisch wird dies immer dort, wo die posteriori formulierten subjektiven Intentionen wenig mit den tatsächlichen Motiven des Sammelns zu tun haben. Wenn sie die Projektionen einer Öffentlichkeit bedienen, die mehr Neugier auf Sammler-Diners oder Privat-Openings hat als auf die eigentlichen Intentionen des oder der SammlerIn, die sie auf derlei Veranstaltungen führen.

Neben allen ja noch vorhandenen objektiven Kriterien des Sammelns, begründet sich Sammeln im Paradigma radikaler Subjektivität durch etwas, was früher unzureichend mit dem Begriff des Bauchgefühls beschrieben wurde. Hierfür möchte diese Ausstellung den Begriff Lori-Liebermann-Effekt vorschlagen: Nicht der Betrachter blickt auf ein Bild und erkennt es als Kunst, sondern das Bild (die Plastik, das Video, die Performance…) blickt auf den Betrachter und versetzt ihn in eine Situation des Erkanntwerdens.

So wird die bildgewordene Defäkation in Bjarne Melgaards ‚Aerosol’ jenseits von Kategorien wie ‚provokativ‘ zuallererst zur primärsten Form von Produktion und Ausdruck im Babyalter. Der Choc, als der das Bild gelesen werden mag, wird sichtbar als Ergebnis einer Sauberkeitserziehung, der sich Melgaard exemplarisch für viele MalerInnen seiner Generation entzieht. Sein Zurückgehen hinter die erste Begegnung mit dem Lacan’schen ‚A’ als strukturierendem großen Anderen ermöglicht, den Fleck als Fläche und Farbe zu erkennen, ungeachtet der Frage, welches Malmittel und welcher Malgrund dafür gewählt wurde. Radikal ist nicht das Motiv der Defäkation selbst, sondern das sich Entziehen vor jeglichem Appell von Sauberkeitserziehung. Radikal ist das Beharren darauf, dass ein Fleck das Potenzial in sich trägt, als ein Produkt aus Fläche und Farbe erkannt zu werden, wenn die Bereitschaft dazu vorhanden ist, nicht als Betrachter das Bild zu sehen, sondern sich vom Bild anblicken zu lassen.

Diese Blickumkehr bewirkt, dass sich Bilder buchstäblich im Betrachter inkorporieren. Der Erwerb eines Bildes durch den Sammler vermag diese Inkorporation nur noch unzureichend zu exekutieren, denn selbst der Kauf bewahrt den Sammler nicht davor, sich dem erworbenen Bild unterwerfen zu müssen.

Der These vom personenförmigen Kunstwerk folgend, sammelt der Sammler nicht länger Kunstwerke, sondern KünstlerInnen. Ihnen gilt seine Faszination und sein Interesse. Und anders als das einzelne Werk, dessen materieller Erwerb zum symbolischer Akt wird, kann und will er den Künstler selbst nicht besitzen. Der Sammler hat vielleicht ein Bild, der Künstler hingehen hat einen Sammler. Dieses In-Beziehung-Setzen zum Künstler geht immer damit einher, zu ‚seinem’ Sammler zu werden und sich der Transformation durch seine Werke zu unterwerfen.

Text: Kai Hoelzner

Konzeption: Stephan Gripp

20 January - 24 March 2018 

Opening: Saturday, 20 January 2018, 6 - 9 pm 

KILLING ME SOFTLY  WORKS FROM THE MIETTINEN COLLECTION

The transformation of artists into people who are themselves the works of art postulated by Diederichsen, which ends in the radically subjective artistic positions seen in the works of Jensen, Melgaard, Mayer or Butzer, leads to a similar process of subjectification on the part of the collector. Within a radically subjective paradigm, collecting no longer follows genres or thematic categories within which the collector is active in the areas of video, Eco-Art or post-Internet.

The lack of maps and topographies providing orientation has led in the past years to an increasing prominence and visibility of the collectors themselves. Even the nature of already existing collections still brought together in line with the construction drawings of collecting from years gone by, can only be understood today if the subjective dispositions of the collection process are made known after the fact. This always comes up against problems where the later-formulated subjective intentions have little to do with the actual motives for collecting. When they serve the projections of a public that is more curious about attending collector dinners or private openings than about the actual intentions of the collector that bring them to such events.

Besides all of course still existing objective criteria for collecting, collecting in the paradigm of radical subjectivity is motivated by something that used to be described insufficiently with the term ‘gut feeling’. Instead of this, this exhibition would like to propose the term ‘Lori-Liebermann Effect’: not the observer looks at a picture and recognizes it as art, rather the picture (the sculpture, the video, the performance,…) looks at the observer and places him or her in a situation of being recognized.

As such, the defecation-become-picture in Bjarne Melgaards ‘Aerosol’ first and foremost becomes the most primary form of production and expression in infancy far removed from all categories such as ‘provocative’. The Choc, which the picture might be read as, becomes visible as the result of a lesson in cleanliness that Melgaard shirks from in a way exemplary for many painters of his generation. His withdrawal behind the first encounter with the Lacanian Grand Autre makes it possible to recognize the stain as surface and color, irrespective of the question as to what painting material and what painting surface has been chosen. It is not the defecation motif itself that is radical, but rather the withdrawal from any and every appeal to be taught cleanliness. What is radical is the insistence that a stain carries within it the potential to be recognized as a product made up of surface and color when the willingness is there to have oneself gazed at by the picture instead of being the observer who sees the picture.

This reversal of the gaze means that the pictures literally become incorporated into the observer. The purchase of a picture by a collector may not be sufficiently capable of executing this incorporation, because even when they buy a picture, collectors do not save themselves from the necessity of subjecting themselves to the picture.

Following this proposition of the person as the work of art, the collector no longer collects works of art, but rather collects artists. It is they who fascinate and interest the collector. And unlike the individual work, whose material purchase becomes a symbolic act, the collector cannot and does not want to own the artist. The collector has perhaps a picture, but the artist has a collector. This placing oneself in relation to the artist always involves becoming the artist’s collector and subjecting oneself to being transformed by his or her works.

Text: Kai Hoelzner

Concept: Stephan Gripp